Hoy tenemos la suerte y el honor de poder entrevistar a mi buen amigo y maestro Francisco Bernal Rosso, fotógrafo, docente y probablemente, uno de los mayores expertos en España en lo que a iluminación de retrato se refiere.
Sus libros, apuntes y diferentes publicaciones en prensa, son obra de consulta por parte de estudiantes y profesionales de medio mundo…
Hemos conseguido robarle unos minutos de su apretada agenda, y esto ha sido lo que tan amablemente ha contestado a nuestras preguntas…
¿Qué consejo le daría a alguien que quiere empezar a dar sus primeros pasos en el mundo de la iluminación de estudio y que mínimo equipo le recomendaría adquirir?:
Un equipo básico para empezar puede ser un único flash de no menos de 300vatios y un reflector de al menos 90cm como los lastolite. La idea es emplear este equipo junto con la luz natural.
Un equipo más amplio, y justo para empezar, sería un kit de esos de dos focos como los Dlite 4 de Elinchrom o los Bowens Geminis 400, ambos de 400 vatios. Hay una variante de 200 vatios de los mismos equipos (que en el caso de elinchrome se denominan Dlite 2) y creo que ir a menos de esto es no tomarse en serio lo que uno quiere hacer. Si estamos más cortos de pelas podría recomendar mirar alguna cosa de lo que distribuye Porta Flash que junto a equipos de mala muerte tiene algunas joyas realmente interesantes.
El resto de kits que he visto, sobre los 150 vatios no me parece que se puedan tomar en serio. Aunque puedan parecer muy apañados son equipos que no mantienen ni la potencia ni la temperatura de color entre dos disparos sucesivos y cuya seguridad se me antoja escasa. He visto unidades de estas derretidas por el calor de las lámparas de enfoque. Realmente no recomendaría nada de esto.
Y strobist es mercado de consumo para quien quiere jugar a ser fotógrafo, no para quien se plantea trabajar con un mínimo de recursos y capacidad de respuesta.
¿Donde aprendió todo lo que sabe acerca de las diferentes técnicas de iluminación en fotografía y cuando decidió plasmarlo en forma de libro?:
Aprender se aprende día a día. Había una frase en los artículos que me daba bastante coraje, decía (y dice aún) algo así como que «los profesionales hacen esto y lo otro» y a mi lo que me gustaría saber era donde aprendían esos profesionales ¿No era en estas revistas, verdad? Me fastidiaba enormemente acudir a un artículo o un libro para tratar de aprender y encontrarme con que siempre te sugerían que había un conocimiento, que no estaba a tu alcance, y que tampoco te decían donde adquirirlo. Ten en cuenta que durante mucho tiempo en España la única manera de aprender fotografía era la revista «Arte Fotográfico».
¿Donde aprendí? Haciendo fotos, escuchando a los demás, leyendo y sobre todo, meditando sobre lo que hacía, oía y leía. El único maestro que reconozco es Frank Horvat quien me enseñó, a través de la corta correspondencia que mantuvimos, mucho de lo que supone la base sobre la que he construido lo que digo.
¿Que cuando decidí ponerlo en forma de libro? Bueno, comencé a escribir las cosas no leía en las revistas para que pudiera encontrarlas quien tuviera la misma curiosidad que yo. Sobre todo con el nivel que no había manera de hallar. No hay que olvidar que la iluminación, todo lo arte que pretendas que sea, no deja de ser física y electricidad, lo que hace que, por mucho que a algunos les pese y se empeñen en lo contrario, la iluminación sí sea una ciencia. Cuando llevaba cuatro años escribiendo para revistas de fotografía empecé a acariciar la idea de ver los artículos recogidos en pasta dura y con su ISBN, algo que es común, según parece, a todo quien escribe en publicaciones periódicas. Naturalmente lo que saqué en libro no era una recopilación sino material nuevo.
¿Se han visto modificadas de alguna manera las técnicas de iluminación de estudio con la llegada de la fotografía digital o por el contrario se conserva todo lo escrito y afirmado anteriormente para la película y el mundo analógico?:
La iluminación no tiene nada que ver con la toma fotográfica. Es como si preguntas si la llegada de las cámaras digitales ha supuesto algo nuevo en el diseño y uso de los trípodes. La luz es para iluminar tu escena, si la exposición se hace separando moléculas de sal de plata o poniendo electrones en movimiento no afecta para nada a la creación del espacio luminoso. Lo que sí ha hecho la tecnología digital es añadir nuevas técnicas a las que ya había. Por ejemplo, ahora puedes iluminar con un único foco una naturaleza muerta y montar las tomas realizadas con diferentes calidades y direcciones de luz, lo que te permite controlar los brillos especulares que tanto fastidian el trabajo o puedes hacer iluminaciones negativas que consiste en partir de lo que he dicho antes, varias fotos de una misma escena quieta con un único foco cada vez y restar imágenes en vez de sumarlas, lo que hace que produce una «sustracción» de fotones que es muy difícil de conseguir con película. Aunque la iluminación negativa sea más un efecto creativo que una técnica compositiva para resolver un trabajo.
¿Que suele resultar más complicado técnicamente hablando?: ¿la iluminación en estudio o la iluminación en exteriores?:
La de exteriores. Porque el estudio te permite un control absoluto de todos los parámetros, pero el exterior… con el exterior eres tu quien se debe adaptar. En el exterior hay que hablar de adaptación, no de control. Y la adaptación de la luz es siempre es más complicada técnicamente de manipular que su construcción.
¿El secreto de una buena iluminación? ¿Y el de una buena fotografía?:
No hay una buena iluminación. La iluminación tiene tres funciones: exponer el material sensible, modelar las formas creando el espacio y expresar las ideas. Cuando iluminamos una escena elegimos dar un peso a cada una de estas funciones, una importancia. Yo lo haría de una manera y será «buena» en tanto yo haya sido capaz de emplear la luz para exponer, modelar y expresar como yo quería. Pero tu, en la misma escena, usarías otra iluminación para exponer, modelar y expresar según tu criterio. Ninguna de las dos sería «mejor» que la otra porque no vale comparar el trabajo de dos personas distintas. Solo debemos competir contra nosotros mismos: es mejor en tanto que la luz se adecua a lo que pretendo. Pero eso no tiene por qué tener nada que ver con lo que tu haces.
En su opinión como experto, ¿cuáles son los errores más comunes que los aficionados y profesionales que se inician en esta disciplina cometen a la hora de iluminar una fotografía?:
Hay dos errores básicos que son: creer que la luz solo sirve para exponer y poner los focos donde caben y no donde hacen falta.
El primer error consiste en confundir «una buena luz» con una luz «suficientemente intensa» (como para exponer la película) y suele estar asociado con el uso de la luz ambiente, aunque también aparece con el uso de flashes y de luces de estudio. Se nota este error en tres cosas: La primera es que usamos el automatismo de la cámara, que solo sabe de cantidad de luz, no de dirección ni de modelado ni de gama tonal. La segunda es que no medimos: miramos el histograma y creemos que medir consiste en dar suficiente tono, cuando medir es sobre todo conocer la luz. No medimos para exponer, sino para conocer la luz de la escena. La tercera parte de confundir buena luz con luz intensa es que no buscamos el mejor modelado, donde mejor la luz expresa nuestras ideas y modela mejor las formas, sino que nos conformamos con poner un montón de luz para exponer.
El segundo error afecta al uso de las luces de estudio y consiste en colocar los focos donde caben y no donde hacen falta ¿Cuantos fotógrafos siguen creyendo que una luz de principal y de relleno consiste en poner un foco a su derecha a toda potencia y otro a su izquierda a media? Pero lo peor es ¿Cuantos profesores de fotografía enseñan semejante catetada a sus alumnos? Una cosa es que no puedas poner los focos de otra manera y otra, muy diferente, no saber hacerlo de otra manera.
¿Qué opina acerca del retoque digital de fotografías en programas como Photoshop?. ¿Se posiciona a favor del mismo o en contra?:
No me gusta hablar de retoque, sino de revelado. Mira un negativo en color ¿Cuales son «los colores que captó la película»? No hay manera de saberlo, tienes que meter el negativo en la ampliadora y empezar a jugar con los filtros para conseguir la apariencia que quieres y el contraste que te parece adecuado ¿En qué se diferencia eso del uso de niveles y curvas en photoshop? Con photoshop creo que hay que distinguir tres usos diferentes que son: primero, cuando lo usamos para revelar; Es decir, cuando lo usamos para adaptar la imagen al uso que queremos darle, aquí no creo que haya que hacer ninguna objeción. Segundo, cuando lo usamos para retocar; es decir, para reparar defectos de la imagen; Pueden ser defectos de la escena que no pudieron pulirse durante la toma o problemas surgidos a posteriori, en este caso el uso es comprensible pero corremos el riesgo de pensar que cabe evitar trabajar la escena bajo la idea, errónea, de que podemos acabarlo en el laboratorio: si tu maquilladora no ha trabajado bien con la modelo no eres tu quien tiene que hacer su trabajo, piénsalo, te cuesta el doble: pagas a la maquilladora y pagas al del retoque. El tercer uso es el creativo: usas photoshop como laboratorio digital en el que acabas la foto. Es un poco similar a las técnicas de creación que empleamos cuando hacemos solarizaciones, o fotomontajes, collages, etc. El problema aquí surge cuando confundimos la fotografía con el diseño gráfico. Photoshop es una herramienta para fotógrafos, ilustradores y grabadores. No hay que pensar que todo lo que se puede hacer con photoshop es fotografía.
La propuesta del gobierno francés de limitar o advertir del uso me parece una exageración. Si se trata de prensa, el problema no debe ser el uso de photoshop, sino la manipulación de la noticia, y para eso ya hay mecanismos legales. Si se trata de publicidad… ¿Quien le pone puertas al campo?
¿Sus proyectos para el futuro?:
Sacar el libro que tengo terminado y acabar los dos libros con los que estoy liado; largarme de la enseñanza reglada porque es una vía que no permite el desarrollo profesional, acabar un par de proyectos inconfesables… tu sabes. Y ampliar la cartera de clientes, claro.
También te puedo comentar que vamos a programar en breve un curso de Fotografía de arquitectura con la plataforma on line www.artefactos.com, tengo varios cursos con la Universidad de Cádiz y por supuesto, continuar haciendo más Fotografía editorial en los próximos meses…
¿Un deseo a cumplir para el próximo año?:
No, no. No hay que confesar los deseos que se piden, no vaya a ser que te los concedan.
Agradecemos enormemente a Francisco Bernal Rosso que nos concediera esta entrevista y la profundidad y sinceridad con la que ha afrontado cada una de nuestras preguntas. Desde photoshop-designs, le deseamos todo lo mejor para el futuro!
Un abrazo para todos 
